Un puñado de teclas: pianistas de jazz
En mi juventud, rockeaba y rodaba. También me volví gótico, bailaba hasta el amanecer, bailaba reggae al ritmo y le daba un toque funky. Elegí un estilo pop y lo di todo.
Últimamente, me entusiasman los viejos discos de jazz para piano. No es que no puedas ser un joven y moderno, un rompecorazones, y seguir siendo un fanático del jazz. En los años 40 y 50, todos esos pianistas de jazz eran locos, malos y peligrosos, y se paseaban por las calles como los narcotraficantes de " El almuerzo desnudo ". (Bueno, algunos eran un poco más apacibles). Aun así, a mis 19 años me horrorizaría pensar que algún día podría apreciar música con un sonido tan agradable. Pero la mediana edad llega para muchos, y un buen piano de jazz es realmente bueno. Les contaré sobre mis pianistas de jazz favoritos.
Todo se remonta a alrededor de 1700 en Florencia, cuando el afinador de clavicémbalo favorito del príncipe Fernando de Médici, Bartolomeo Cristofiori, ideó un nuevo tipo de instrumento. Un clavicémbalo es como una cítara que se opera con un teclado: al pulsar una tecla, una pluma en su interior pulsa la cuerda correspondiente. Eso produce un sonido genial, pero cada nota tiene el mismo volumen; no hay forma de tocar más suave, más fuerte o con mayor expresividad. Cualquier cosa rápida o compleja termina sonando como un gran estruendo. El pianoforte de Cristofiori, una palabra que combina las palabras italianas para "suave" y "fuerte", es más como un dulcémele que se opera con un teclado. O como él lo llamó en su totalidad: gravicembalo col piano, e forte, es decir, clavicémbalo con suave y fuerte. Al tocar las teclas, unos martillos de fieltro golpean las cuerdas metálicas interiores, tensadas con gran tensión a través de un marco de hierro fundido dentro de una caja de madera con caja de resonancia. Puedes tocar suave o estruendoso, staccato y seco, o lánguido, con sustain y armónicos. Mientras que un saxofón toca una sola melodía, más o menos, en el piano puedes tocar solo, armonía y ritmo a la vez, dominando toda la gama de modos y acordes. Es un instrumento de percusión, un instrumento melódico y un mundo armónico, con matices que van desde graves retumbantes hasta agudos tintineantes.
En 1747, Bach probó el piano y le gustó. Tenía entonces unos 55 años y había dedicado la mayor parte de su carrera a componer para clavicémbalo y órgano. Durante su visita a la corte del rey Federico II de Prusia, experimentó con algunos pianos Silbermann de última generación y poco después compuso su primera gran pieza para piano, la Ofrenda Musical , que incorporaba un tema improvisado por el rey. Mozart y Beethoven, Chopin y Liszt, Debussy, Rachmaninoff y John Cage le seguirían, a medida que el piano se convertía en un instrumento más grande, de sonido más brillante y resonante, con 88 teclas en siete octavas y cuarto.
La clase media floreció en el siglo XIX, y el piano llegó a ser visto como un símbolo de prosperidad, un mueble indispensable en cualquier sala de estar civilizada. Las personas más selectas de la sociedad entretenían a su círculo; los escolares aprendían escalas y ofrecían recitales. Luego, alrededor de 1899, el auge del piano victoriano coincidió afortunadamente con el nacimiento del jazz.
El siglo XX fue un hervidero de grandes pianistas de jazz, nombres famosos que todo aficionado a la música conoce. Innovadores como Jelly Roll Morton, nacido como Ferdinand LaMothe en Nueva Orleans, fusionaron fragmentos de música clásica, espirituales, teatro musical y canciones pop en un nuevo estilo llamado ragtime, sincopado e improvisado. Los pianistas de stride de Harlem, James P. Johnson y Willie "The Lion" Smith, tocaron con más intensidad y swing, con la mano izquierda moviéndose incansablemente entre notas graves y acordes. Fats Waller alcanzó el estrellato como virtuoso intérprete y compositor. Art Tatum sigue siendo el referente de la técnica, interpretando secuencias increíblemente rápidas y precisas con ambas manos recorriendo las teclas de arriba a abajo. Duke Ellington dirigió su propia orquesta de jazz durante décadas, componiendo y arreglando todo un canon de estándares a lo largo del camino. Dos pianistas adaptaron el nuevo estilo bebop de Charlie Parker al piano de maneras muy diferentes: Bud Powell atacó el teclado, tocando secuencias cromáticas rápidas con la mano derecha y acordes en bloque con la izquierda. El estilo y las composiciones de Thelonious Monk eran brillantemente extraños, llenos de pausas y disonancias extrañas tan idiosincrásicas como su mercería, una especie de reversión futurista del stride de antaño.
Desde los años 50, toda una galaxia de estrellas del piano jazz los ha seguido por los cielos: Bill Evans, McCoy Tyner, Horace Silver, Herbie Hancock, Dave Brubeck, Oscar Peterson, Erroll Garner, George Shearing, Ahmad Jamal. Músicos más innovadores como Keith Jarrett y Cecil Taylor ampliaron las posibilidades. Y el piano jazz sigue vigente hoy en día, con figuras como Brad Mehldau y Vijay Iyer que le dan su toque contemporáneo a la tradición.
Todos esos músicos son fantásticos, por supuesto, y probablemente ya hayas oído hablar de la mayoría. Lo que voy a recomendar es quizás un poco menos conocido. Suelo preferir un tipo de sonido en particular, que solo puedo describir como un sonido seco, suave, de rango medio, de mediados de siglo. Para mí, un viejo piano vertical polvoriento grabado con equipo básico en un estudio básico de los años 40 suena más atractivo que un piano de cola Steinway, potente y estruendoso, grabado con la máxima fidelidad más reciente. Hay algo en ese sonido lastimero, débil y lluvioso de un viejo disco de piano: la atmósfera se siente más melancólica, y la extrañeza suena aún más extraña.
Además, esta es la lista suave, no la lista salvaje. Estos discos no son especialmente conflictivos ni acrobáticos, pero algunos son bastante avanzados. Cecil Taylor, como es bien sabido, despreció la forma de tocar suave y discreta de Bill Evans, calificándola de "música de cóctel". Supongo que si estás de acuerdo con esa afirmación, entonces esto es la hora feliz. (Miles Davis, por si sirve de algo, lo llamó "fuego silencioso").
Puede disfrutar de estas grabaciones en los socios de transmisión de la biblioteca, hoopla y Freegal, siempre accesibles con su tarjeta de biblioteca. ¡Y si puede encontrarlas en viejos discos de vinilo, suenan aún mejor de esa manera!
Sin ningún orden en particular:
Hank Jones
La forma de tocar de Hank Jones es melódica, melancólica, vivaz y segura; a veces se le compara con Art Tatum, aunque menos ostentoso y más realista. Sus dos hermanos menores, el trompetista Thad y el baterista Elvin, también tuvieron carreras impresionantes, especialmente el trabajo de Elvin con el cuarteto clásico de John Coltrane en Impulse! Hank disfrutó de un creciente renombre hacia el final de su larga vida, falleciendo en 2010 a los 91 años; como resultado, es mucho más fácil encontrar álbumes de su carrera posterior. Pero eso palidece en comparación con la magia de sus primeras sesiones en grupos pequeños y grabaciones en solitario de la década de 1950. Combina a la perfección con Johnny Smith o Barry Galbraith a la guitarra, tejiendo una conversación fluida y lírica a través de un conjunto de melodías encantadoras. Escucha Urbanity o The Talented Touch en hoopla; se sienten como un paseo por el West Village en un día de primavera.
Lennie Tristano
Lennie Tristano es un músico de músicos, y no es fácil encontrarlo en vinilo porque no grabó mucho, y mucho de lo que publicó es abstruso y complejo. Pero fue muy influyente como profesor y teórico, y sus pocas grabaciones de finales de la década de 1940, acompañadas por Billy Bauer a la guitarra y/o Lee Konitz al alto, son auténticas maravillas. Tristano fue un auténtico original, construyendo un puente desde la improvisación modal altamente disciplinada hasta lo que más tarde se llamaría free jazz mucho antes que nadie. Ciego desde los 10 años, obtuvo su maestría en el Conservatorio Americano de Chicago y luego se mudó a Nueva York. A Charlie Parker le gustaba el enfoque angular y analítico de Tristano hacia el bebop, un raro ejemplo de alguien que no intentaba morder su propio estilo extravagante. Incluso Aaron Copland quedó impresionado por las grabaciones sin precedentes de Tristano de 1949, en las que los miembros de su grupo planificaban únicamente el ritmo de sus entradas e improvisaban todo lo demás: armonía, tempo, tonalidad y melodía, todo ello unido únicamente por su interacción contrapuntística telepática. En directo, solían intercalar estas grabaciones con fugas de Bach. Las explosiones sónicas recopiladas en Very Best poseen una deliciosa cualidad errática y desorientadora, que amenaza con desmoronarse pero que, de alguna manera, se mantiene en los rieles del bop. A menudo se le asocia con el jazz cool, pero su trabajo es más extraño que eso. La antipatía de Tristano hacia la industria discográfica, así como lo que muchos percibieron como una cualidad excesivamente cerebral en su forma de tocar, le impidieron alcanzar una mayor fama, pero su clarividencia y audacia lo convirtieron en un referente para músicos afines, desde Charles Mingus hasta Anthony Braxton.
María Lou Williams
No hay muchas pianistas de jazz reconocidas, síntoma de un prejuicio generalizado que algunos atribuyen a la supuesta aversión de las mujeres al mundo nocturno y turbulento del jazzista profesional, y otros a los teclados de piano, diseñados desde hace tiempo para manos masculinas más grandes. Pero ciertamente no se debe a la falta de talento, creatividad e ímpetu femeninos, como demostraron brillantes intérpretes como Mary Lou Williams, Nina Simone y Blossom Dearie. Mary Lou Williams encabezaría cualquier lista de músicos consagrados, no solo una de mujeres. Nacida en 1910 en Atlanta, comenzó a tocar el piano de niña por necesidad, según contó al Proyecto de Historia Oral del Jazz: sus vecinos blancos lanzaban ladrillos contra las ventanas de su casa familiar, y ella los convencía ofreciéndoles conciertos y tocando en sus fiestas como "La pequeña pianista". En su adolescencia, realizó giras por el circuito Orpheum, impresionando a figuras como Louis Armstrong y Duke Ellington, para quienes más tarde escribiría y haría arreglos. En la década de 1930 tocaba con Twelve Clouds of Joy de Andy Kirk en Kansas City, lo que la situó en el epicentro de una nueva escena crucial donde se hizo amiga de un joven Charlie Parker. Más tarde, en Nueva York en la década de 1940, tuvo su propio programa de radio semanal y fue mentora de un grupo de pioneros del bebop más jóvenes, entre ellos Thelonious Monk, Miles Davis y Dizzy Gillespie. Debido a que su carrera se superpuso a la transición del jazz temprano al bebop, se sentía cómoda en ambos mundos, como lo demuestra su maravilloso álbum de 1955 A Keyboard History , en el que rastrea su evolución del ragtime al stride y al bop. Durante un tiempo en la década de 1950, vivió y realizó giras por Europa, donde grabó la música brillante y melancólica recopilada en I Made You Love Paris . En 1954, se tomó un descanso de las actuaciones y sintió el llamado a convertirse al catolicismo. Tras su regreso, compuso exclusivamente música sacra, pero con la misma alegría y éxito con que antaño interpretaba ritmos vibrantes en salas de baile llenas de humo. Como declaró a Time en 1964, su interpretación siempre fue emotiva: «Rezo a través de mis dedos cuando toco... Intento tocar el espíritu de la gente». Mary Lou, junto con Fanny Mendelssohn, Clara Schumann y muchos talentos menos conocidos pero igualmente merecedores, tiene un capítulo en el nuevo libro «Mujeres y el piano: Una historia en 50 vidas» , una esclarecedora corrección de la historia masculina del piano, escrita por la pianista y crítica musical Susan Tomes.
Barry Harris
Detroit es famoso por la música soul y el rock & roll, pero su escena jazzística siempre se vio eclipsada por las de Nueva York, Kansas City, Nueva Orleans e incluso Chicago y Los Ángeles. Uno de sus pilares más antiguos fue el gran pianista Barry Harris, quien, a pesar de no ser un nombre conocido, grabó con artistas de la talla de Miles Davis y Lee Morgan, y fue mentor de figuras como Donald Byrd y Joe Henderson. Incluso fue compañero de piso de Thelonious Monk durante un tiempo. Al igual que Monk, tocaba el bebop de una forma a la vez clásica y vanguardista, adoptando el estilo alegre de Fats Waller pero improvisando algo nuevo en cada rincón. Me encanta especialmente su audaz reinvención de un tema clásico como "The Londonderry Air" en Listen to Barry Harris... Solo Piano de 1961. Sin las limitaciones de una sección rítmica, expande la melodía a la medida de su imaginación, y cada nuevo motivo aventurero desencadena otro a la perfección.
Dodo Marmarosa
El trágicamente olvidado pero enormemente inventivo bebopper Michael "Dodo" Marmarosa es uno de mis pianistas favoritos, y también de Charles Mingus, como escribió en sus entrañables memorias "Beneath the Underdog" . Su apodo probablemente no ayudó. Mientras que Charlie Parker recibió el apodo de "Bird", Marmarosa recibió el despectivo "Dodo" por su gran cabeza y nariz aguileña. Pero musicalmente, era igual de brillante, e incluso tocó en los discos emblemáticos de Bird, "Ornithology" y "Yardbird Suite". Creció en Pittsburgh, demostró suficiente virtuosismo en su adolescencia como para unirse a las big bands de Gene Krupa y Artie Shaw, y se mudó a Los Ángeles en 1945. Tocar en bandas de swing tradicional era su medio de vida, pero después de las horas de trabajo, perseguía incansablemente improvisaciones más avanzadas y abstractas. Como líder, se aventuró en las fascinantes aguas del modernismo, navegando con agudeza entre cambios inusuales y atmósferas cautivadoras en los discos recopilados en The Complete Dial Sessions . Dodo era bastante excéntrico, como recordaba uno de sus bateristas: «Oía cosas en su cabeza que no podía tocar, y eso lo frustraba... Una vez, se enojó con el viejo piano vertical que teníamos y lo destrozó con un hacha». Otro compañero de banda recordaba que tenía un poste de teléfono favorito frente al club con el que le gustaba hablar entre conciertos. Sus rarezas probablemente se desencadenaron años antes por la terrible paliza que recibió de un grupo de marineros en un andén del metro de Filadelfia, quienes lo confundieron con un desertor; esto dejó a Dodo en coma durante un día. A principios de la década de 1950, sus secuelas comenzaron a manifestarse como enfermedades mentales y físicas. Dejó de grabar y comenzó a comportarse de forma errática, desapareciendo durante semanas y regalando su dinero. Para 1963, el pianista que una vez encabezó las encuestas de DownBeat vivía en el anonimato en casa de su hermana en Pittsburgh, tocando ocasionalmente en un restaurante local. Solo grabó dos álbumes más en las décadas posteriores, y su fallecimiento en 2002 sorprendió a muchos críticos musicales que lo habían asumido como fallecido hacía mucho tiempo. En The Oxford Companion to Jazz , Dick Katz escribió: «Para muchos, Dodo Marmarosa fue el pianista más talentoso de la saga del bebop. Dotado de un hermoso toque legato y una técnica fluida, desarrolló un estilo original que [...] se integraba a la perfección con el lenguaje del bop... Combinaba elementos escalares y acordes avanzados con un fraseo rítmico elegante».
Charles Mingus
¿Sabes quién más es un pianista excelente? ¡Charles Mingus! El irascible bajista era conocido por liderar grandes conjuntos, interpretando a todo volumen sus creaciones increíblemente ingeniosas y a menudo irreverentes. Pero en 1964, sorprendió a todos con Mingus Plays Piano , que parece el título de una de sus bromas, pero resultó ser un álbum de piano solo magníficamente expresivo. Comienza con "Myself When I Am Real", una exploración cautivadora, intensa y tierna de siete minutos y medio con inquietantes matices de Debussy. Trinos y truenos se entrelazan con pasajes meditativos en este fascinante repertorio, en el que Mingus derrocha música pura. Una pieza única en su catálogo.
Teddy Wilson
El "Caballero del Swing" poseía un toque encantador y un estilo elegante y con ritmo que lo convertía en el acompañante perfecto de cantantes, en particular de Ella Fitzgerald y Billie Holiday. Inspirado por Art Tatum y Earl Hines, desarrolló su propia interpretación cromática del stride, embellecida con cascadas. Tras una agradable jam session con Benny Goodman en una fiesta en 1935, Goodman decidió formar el Benny Goodman Trio con Wilson y el baterista Gene Krupa, que subía al escenario para tocar entre las actuaciones de la popular big band de Goodman. Esto convirtió a Wilson en uno de los primeros músicos en destacar con una banda blanca, una decisión audaz en la escena musical extremadamente segregada de la época, una decisión que probablemente solo alguien de la talla de Goodman podría haber llevado a cabo. Wilson admiraba la creatividad del bebop y tocó en algunas sesiones, pero con el tiempo se convirtió en un veterano estadista, enseñando en Juilliard y dirigiendo musicalmente el espectáculo de Dick Cavett . Aunque es conocido por su trabajo en conjunto, prefiero sus grabaciones solistas, constantes pero efervescentes, como las de Piano Moods y Solo Piano—The Keystone Transcriptions . Escucha sus grabaciones clásicas con Billie Holiday en Fine & Mellow: 1936-1939 .
Al Haig
Hay una línea muy fina entre el piano de cóctel y el jazz cool, y Al Haig la recorre a la perfección con los estándares suaves y cristalinos de Jazz Will O'the Wisp de 1954. Pero tiene bonafides de bebop, habiendo tocado en Birth of the Cool nonet de Miles Davis. Al principio de su carrera, Haig fue muy solicitado y a menudo se lo consideraba tan bueno como Bud Powell, con quien empató en varias encuestas de lectores. Luego, en 1969, su carrera se descarriló cuando fue acusado de asesinar a su tercera esposa y luego absuelto. Su segunda esposa llegó a pensar que realmente lo hizo y escribió sus sospechas en un libro de 2007 llamado Death of a Bebop Wife . Su cuarta esposa no publicó ninguna opinión al respecto. Haig hizo una especie de regreso con una serie de álbumes agradables en los años 70, pero su material inicial sigue siendo su mejor. Independientemente de lo que se piense de su culpabilidad o inocencia, sería un crimen no disfrutar de Jazz Will O'the Wisp cuando llega el otoño.
Jaki Byard
El excéntrico pero profundamente erudito Jaki Byard fue distintivo por su tono brillante y claro y su montaje caleidoscópico de estilos desde clásico y ragtime hasta disonancias al estilo de Cecil Taylor, a menudo con efecto humorístico. Empezó como acompañante en piano y saxofón tenor, tocando y arreglando en la banda de Maynard Ferguson. En la década de 1960, participó en álbumes de Mingus, Eric Dolphy y Roland Kirk; sus propias grabaciones como líder no tuvieron tracción en ese momento, pero hoy en día disfrutan de una revalorización por su fluida mezcla de experimentación e historicismo. Una reciente encuesta multidisciplinaria de arte afroamericano en MOCA, por ejemplo, tomó su título del primer álbum en solitario de Byard, Blues for Smoke . En sus últimas décadas, aportó su conocimiento enciclopédico del piano a una carrera docente en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, la New School y Harvard, entre otras instituciones. Álbumes tempranos como Hi-Fly y Here's Jaki son una buena mezcla de bop fresco y bien trabajado con tangentes impredecibles salpicadas de sus característicos toques extravagantes. Su versión del clásico de Monk, "Round Midnight", es especialmente interesante, ofreciendo un enfoque barroco a la atmósfera fantasmal esencial de la melodía, en contraste con el ataque cavernícola y drogado del propio Monk.
Nat "King" Cole
La mayoría de la gente solo conoce a Nat "King" Cole como barítono de baladas pop, especialmente de canciones llorosas y llenas de cuerdas como "Unforgettable", que, lamento decir, me resulta insoportablemente empalagosa. Siento una aversión similar por Frank Sinatra; ambos comparten la habilidad de sonar íntimos, románticos y espontáneos, a la vez que me resultan realmente irritantes. Así que me sorprendió descubrir en los últimos años que me encanta su anterior carrera como pianista de jazz al frente del Nat "King" Cole Trio, con una interacción ágil y exuberante con el bajista Wesley Prince y el guitarrista estrella Oscar Moore. Al igual que con la banda de Lennie Tristano, hay algo encantador en un trío instrumental capaz de generar un ritmo sólido como una roca sin baterista. Cole se mudó de Montgomery, Alabama, a Chicago y luego a Los Ángeles, donde encontró trabajo en clubes nocturnos con el Trío y firmó con Capitol Records. Si el público no hubiera empezado a gravitar hacia sus ocasionales actuaciones en el escenario, quizá lo conoceríamos principalmente como pianista. Pero el canto y las cuerdas tomaron el control, y el Trío quedó en el camino. Presentó su propio programa de variedades en la NBC durante un tiempo y apareció en algunas películas de Hollywood. Tras alcanzar el estrellato, tuvo notables roces con el racismo; en 1956, fue atacado por supremacistas blancos en el escenario en Alabama, y cuando se atrevió a comprar una casa en el parque Hancock, solo para blancos, sus vecinos lo rechazaron y quemaron una cruz en su jardín. Algunos activistas por los derechos civiles lo criticaron por aceptar actuar para públicos exclusivamente blancos en lugares segregados, lo que le dolió, por lo que posteriormente se unió a la NAACP y a la Marcha sobre Washington. Fumador empedernido de toda la vida, enfermó inesperadamente y murió de cáncer de pulmón en la cima de su fama, a los 45 años. Si bien no fue precisamente un defensor acérrimo de la justicia racial, tuvo un papel interesante en la historia. Pero, en mi opinión, nada de lo que hizo inspiró tanto como su forma de tocar el piano. Con ritmo ágil, elegante, rápido y preciso, es realmente un músico maravilloso. Una vez leí una descripción de su forma de tocar que decía: «Cada nota suena como una gota de lluvia», y ahora, cuando escucho un disco del trío, eso es lo que oigo. Lo mejor del Nat King Cole Trio: Clásicos Instrumentales.
Chris Anderson
Si Lennie Tristano era alguien a quien se podría llamar un "músico de músicos", hace poco leí una reseña del desconocido pero asombroso pianista de Chicago, Chris Anderson, que lo describía como un "músico de músicos de músicos". Supongo que eso quiere decir que es mucho más desconocido para el público general que alguien como Tristano. Pero su música es mucho más encantadora y accesible, y cuesta creer que no esté ya en el canon. A los 20 años quedó ciego y también padeció una enfermedad de los huesos de cristal que le dificultaba enormemente dar conciertos, lo que explica en gran medida el problema. Pero cuando tocaba, se corría la voz. Nada menos que un titán como Herbie Hancock, que ya era bastante famoso por aquel entonces, acudió a él para tomar clases en 1960, declarando que Anderson era un maestro de la armonía y la sensibilidad del que cualquiera podía aprender. Se nota en cuanto se escuchan sus álbumes de principios de los 60 , My Romance o Inverted Image . Su calidez y lirismo son cualidades que también se perciben en la interpretación de Herbie Hancock, así como su toque seguro y su hábil equilibrio entre lo cerebral y lo emocional. Escuchar la música de Anderson es como conversar con un viejo amigo.
Juan Lewis
El líder del Cuarteto de Jazz Moderno era un tipo interesante. Creció en Albuquerque, donde sus padres le inculcaron el amor por la música clásica desde pequeño, y se graduó de la Universidad de Nuevo México con una especialización en antropología, algo fuera de lo común en el jazz clásico. Pero tras una temporada en el ejército, tocando en la banda con el futuro baterista del MJQ, Kenny Clarke, se convirtió en un pianista muy solicitado en Nueva York, tocando y haciendo arreglos con Dizzy Gillespie y Miles Davis, quienes admiraban su ascético sentido de la dinámica y la contención. Lewis formó un cuarteto dentro de la big band de Gillespie con el vibrafonista Milt Jackson, el bajista Ray Brown y Clarke, quien tocaba un jazz más fresco y minimalista entre las sesiones de big band de música dance de moda. El MJQ se lanzó por su cuenta para interpretar la visión de Lewis del jazz de cámara, espacioso y estructurado, una especie de fusión de música clásica dirigida por el compositor y jazz improvisado. Lewis y Jackson formaban una buena dupla para esto, con la efervescencia vibrante de Jackson como contrapunto a la distancia apolínea de Lewis en composiciones majestuosas como "Django". Durante un tiempo, músicos y arreglistas afines, como Gunther Schuller y George Russell, pensaron que este podría ser un género musical completamente nuevo, que algunos comenzaron a llamar "tercera corriente". En retrospectiva, el MJQ suena principalmente a jazz muy relajado, cerebral y disciplinado. ¡Agradable, sin embargo! Se puede apreciar la claridad y la gracia de Lewis en un álbum como Improvised Meditations and Excursions de 1959 y percibir algo de la grandeza barroca y saturnina que siempre buscó.
Steve Kuhn y Gary McFarland
Una colaboración única que enmarca la interpretación puntillista y enrevesada del pianista Steve Kuhn en los encantadores arreglos otoñales del gran Gary McFarland. Juntos, crean una Suite de Octubre agridulce que captura a la perfección la época del año, el arremolinarse de las hojas y las sombras que se alargan al final del verano. ¡Pongo este álbum cada 1 de octubre para ambientar la temporada! Gary McFarland fue un genio al estilo de Vince Guaraldi, Burt Bacharach o Lalo Schifrin: melodías engañosamente sencillas, arregladas con gracia infantil y un toque de humor beatnik. Era un arreglista prometedor que se adentraba en bandas sonoras de películas hasta que murió en extrañas circunstancias en Manhattan en 1971, envenenado en un bar de Christopher St. Steve Kuhn (aún en activo) es un músico punzante y vanguardista, al estilo de Keith Jarrett. Su interpretación mordaz es el condimento secreto de la suave pieza de McFarland para cuerdas, arpa y instrumentos de viento, y el resultado es una exquisita fantasía de octubre.
Pablo Bley
El teclista profundamente original Paul Bley es mejor conocido por su vigorizante free jazz al piano y sintetizador Moog, y su exesposa Carla Bley fue una compositora e intérprete de vanguardia aún más aventurera. Pero a principios de los años 50 en Montreal, era un joven virtuoso del cool bop que tocaba con Charlie Parker, Jackie McLean y Lester Young. Sus primeros tres álbumes son jazz de cámara cerebral e impresionista en pequeños grupos, que evidencia solo toques ocasionales del enfoque experimental en el que pronto se sumergiría. Presentamos a Paul Bley de una agradable sesión de trío con Charles Mingus y Art Blakey, y muestra su interpretación reflexiva e inquieta en un entorno sencillo, unos años antes de que comenzara a trabajar con agitadores más audaces como Ornette Coleman, Marshall Allen y Milford Graves. El cool bop agradable y modernista no es el Bley que la mayoría de sus fans buscan, pero este álbum me gusta.
